Para crear superhéroes voladores de imagen real se necesitan varios trucos de cámara. Pero para los animadores, es simplemente el trazo de un lápiz óptico en una tablet y la manipulación de esos dibujos a través de varios programas informáticos. Si estás pensando en estudiar una carrera de animación digital, ¡a continuación te enseñamos cómo hacer animaciones!
1. Comienza con un movimiento de animación simple
Crear personajes animados que desafíen las leyes de la gravedad y la física puede parecer sencillo. Y hay mucha tecnología que ayuda en el proceso, pero aún así tu habilidad artística lo impulsa todo. Y como cualquier otra cosa, primero debes desarrollar esas habilidades básicas y perfeccionarlas.
Suena arcaico, pero la animación comienza en el dibujo con papel y lápiz. Es la base sobre la que construyes. Tu objetivo es crear movimiento natural. Así que empieza con algo simple como animar una pelota rebotando. Crear ese movimiento implica una técnica llamada estirar y encoger (squash y stretch).
Así es como se crea la ilusión de peso, volumen y gravedad a medida que la pelota se mueve. En este simple ejercicio obtendrás los elementos básicos contenidos en los movimientos más complejos de los personajes con peso corporal que caminan o vuelan.
2. Referencia y observación en la animación
La creación de movimiento natural a menudo incluye pequeñas cosas, por ejemplo los pequeños movimientos a los que normalmente no prestas atención, como un dedo torcido, la mueca en una sonrisa o una ceja levantada.
Así que empieza a prestar atención como un buen observador. Busca en internet videos y fotos para usar como puntos de referencia. Utiliza modelos de madera o incluso grábate y anima el video.
Pero tú eres tu mejor herramienta. Observa cómo las personas se mueven en la vida real mientras interactúan con otras personas o el medio ambiente. Las expresiones faciales que comunican emoción, acciones que demuestran propósito e intención.
Mientras imprimes esas imágenes en tu mente, se convierten en una biblioteca mental para crear una realidad natural que atrae tanto a tu público que olvidan que tu animación no es real después de todo.
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3. Fotogramas clave en animación
Cuando se reduce todo, la animación es una pose tras otra. Cada una dibuja un fotograma individual en una tira de película que combinas para crear movimiento y narración. Tus fotogramas clave representan el primer y el último movimiento en una secuencia de acción particular. Como animador, determinas la primera pose que inicia el movimiento y la última pose que lo termina.
Entonces, por ejemplo, si tu personaje salta de un tejado al suelo, comenzarás ilustrando la pose inicial del salto hasta la imagen final de cómo aterriza el personaje. ¿Aterriza de forma segura para ponerse de pie o se aplasta en la acera?
Esas dos imágenes forman los sujetalibros que te ayudan a determinar qué sucede visualmente de por medio. Así que quieres que sean audaces y visualmente memorables.
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4. Fuerte línea de acción y exageración en la animación
La exageración es lo que hace la animación divertida, apasionante y añade emoción y drama porque los personajes animados no están limitados por las leyes del universo. Puedes acabar con todos y tu audiencia los comprará totalmente, mientras esos movimientos y acciones tengan un sentido de realismo natural.
Así que cuando Superman salta de un edificio alto y aterriza en el suelo, la tierra se parte con la fuerza de su impacto, lo que demuestra su poder y fuerza. Y cuando Wylie Coyote se cae de un acantilado porque no pudo agarrar al Correcaminos, no solo choca, sino que crea un agujero en forma de Wiley Coyote en el suelo que atraviesa China.
O quizás, es la exageración física del propio personaje. Como el pecho enorme y en expansión del lobo feroz que resopla y resopla para derribar la casa del cerdito. Es esta fuerte línea de acción y exageración la que transmite energía y sentimiento.
La exageración que uses dependerá del estilo particular que quieras lograr. Menos exageración crea una acción realista y una mayor exageración crea una acción más caricaturesca.
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5. Tiempos y velocidades de fotogramas en animación
Hay un sentido del ritmo en la animación: un latido natural. Debes encontrar el equilibrio adecuado para crear ese flujo natural de movimiento que deseas lograr. Los aspectos prácticos se encuentran en el tiempo y las velocidades de cuadro.
El tiempo y el espaciado entre fotogramas es lo que crea la ilusión del movimiento en la animación. El tiempo involucra el número de fotogramas entre poses. Por lo tanto, si tu pelota necesita 24 cuadros para moverse del punto A al punto B, ese es tu tiempo.
El espaciado implica cómo se colocan los fotogramas. En otras palabras, cómo se coloca la pelota en esos 24 fotogramas. Si el espaciado está cerca, la pelota se mueve más lento. Más lejos y la pelota se mueve más rápido. La tendencia cuando estás empezando es a animar demasiado rápido o demasiado lento, pero no te preocupes. Es normal al empezar. Obtendrás el equilibrio adecuado con la experiencia.
Hasta este punto, te hemos mostrado cómo hacer videos animados. Recuerda que no puedes aprender los conceptos básicos de la animación 3D o 2D en un día. Deberás practicar mucho para obtener resultados sobresalientes que cumplan con tus objetivos profesionales. ¡Esperamos que esta información te haya resultado interesante y útil!
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Traducido y adaptado de flashpoint.columbiacollege.edu
